Con esta denominación poco específica se suele denominar a un tipo de guitarra de tamaño mayor que el de la guitarra clásica que se ha generalizado en todo el mundo a raiz de su promoción desde Estados Unidos.
Utiliza 6 órdenes de cuerdas de acero simples o dobles, se toca con púa y su afinación (de agudos a graves), es igual a la de la guitarra clásica:
Tipo de guitarra que se ha generalizado en todo el mundo a partir de su difusión en los 50's, y que precisan amplificar su sonido para que sea audible.
Siguen la estructura de elementos de una guitarra acústica, con las siguientes diferencias:
Normalmente la caja es maciza (aunque hay modelos con cavidad resonante), ya que no están diseñadas para sonar sin amplificar.
Para ser amplificarlas disponen de pick-ups o pastillas (en general 3 o 3), transductores que convierten las ondas vibratorias en señal eléctrica analógica.
Llevan incorparado un pre-amplificador (con los correspondientes controles) para regular desde la misma guitarra el tono y el volúmen de la señal que se amplificará..
Finalmente, disponen de una conexión de salida dónde se enchufará el cable que llevará la señal al amplificador.
Utiliza cuerdas metálicas, siendo las 3 primeras de acero, y las 3 más graves entorchadas.
Normalmente el sonido es estridente, enmascarado y, en general, bastante lineal. En esto tiene bastante influencia, no sólo la guitarra en sí, sino el tipo de amplificador utilizado. También se utilizan dispositivos electrónicos para modificar las características de la señal y añadir efectos sonoros enmascarados.
Si algo caracteriza a este tipo de guitarras es la libertad de diseño en cuanto a forma, colores, adornos, etc., con que se fabrican. Incluso se siguen líneas creativas diferentes en función del tipo de música y el perfil de los músicos a los que van destinadas.
Las guitarras eléctricas con caja hueca de resonancia normalmente se utilizan en Jazz, dónde se requiere un sonido más limpio y matizado.
Su afinación es la misma que en la guitarra clásica:
De forma paralela a las guitarras eléctricas se desarrolan para obtener amplificado el sonido de los contrabajos en las orquestas de los 50's.
Son similares a una guitarra eléctrica, con las siguientes características:
Normalmente la caja es maciza (aunque hay modelos con cavidad resonante), ya que no están diseñados para sonar sin amplificar.
Disponen de pick-ups o pastillas (normalmente 2 o 3) para ser amplificados, transductores que convierten las ondas vibratorias en señal eléctrica analógica.
Llevan incorparado un pre-amplificador (con los correspondientes controles) para regular desde la misma guitarra el tono y el volúmen de la señal que se amplificará..
Finalmente, disponen de una conexión de salida dónde se enchufará el cable que llevará la señal al amplificador.
Utiliza 4 cuerdas metálicas entorchadas, aunque también hay instrumentos con 6 e incluso, con cuerdas dobles afinadas al unísono..
La mayoría de los bajos eléctricos van trasteados. Sin embargo les hay de mástil plano, que son utilizados fundamentalmente en Jazz.
En cuanto al diseño, sin llegar en general a la fantasía derrochada en las guitarras eléctricas, se encuentran una buena variedad de formas y colores.
Existen bajos eléctricos con caja hueca de resonancia, bastante utilizados por músicos de Jazz y de alto nivel musical.
Su afinación es la misma que las 4 cuerdas graves de la guitarra clásica:
Instrumento de la familia de la guitarra, parece compartir los orígenes con esta, pero tuvo un desarrollo anterior, siendo ya junto a la vihuela instrumento clásico de trovadores en el siglo XV. Su origen, tal y como lo conocemos en la actualidad, parece encontrarse ya en Persia en el siglo XIV.
De los siglos XVI y XVII quedan buena cantidad de obras para este instrumento que, en aquellos tiempos, se transcribían en tablatura, fundamentalmente procedentes de Inglaterra, dónde el instrumento se encordaba con 8 ódenes dobles. Del período del Renacimiento cabe destacar el compositor inglés John Dowland quien compuso una destacada obra para el instrumento.
De la transcendencia del instrumento en la historia de la música habla tanto el número de obras escritas para laúd a lo largo de los siglos, como los diferentes tipos de formaciones en los que se ha integrado, incluyendo cuartetos de laúdes, lo que habla de su riqueza sonora.
Los tambores están presentes en Uruguay desde hace más de 200
años; han cambiado su forma, y quizás su modo de ejecución, sus nombres,
y sonido, pero no su esencia.
Antes, se denominaban Macú, Bombo y Congo y los
acompañaban una verdadera orquesta del Candombe con Mazacalla, Marimba,
Mate o Porongo, Huesera, Caña Tacuara, Palillos, trozos de hierro.
Hoy los nombres de Chico, Repique, Piano y Bombo
designan a los tambores de esa tradición heredada de África de LLAMAR,
de transmitir sentimientos y emociones. ¡Y cuánto han comunicado y
tienen aún por hacer a través de su ritmo!
Templando tambores clavados - cuerda La Roma
Foto: Lalo Baráibar
Según Ferreira, el tambor actual es “un único
tipo de tambor en tres tamaños denominados piano, repique y chico, en
orden de mayor a menor tamaño y correspondiente sonoridad del grave al
agudo. Es un tambor abarrilado unimembranófono liviano, abierto en el
extremo opuesto al parche; es de fabricación artesanal a partir de
duelas de madera.”(1)
Tambor Repique con sistema de tensores
Foto: Lalo Baráibar
Los Tambores del Candombe han mantenido intacta
la magia, son la voz a través de la cual hablan nuestros abuelos negros.
De los troncos ahuecados, de las barricas de yerba a estos tambores de
hoy han pasado mucho tiempo y generaciones, muchas de las cuales no
veían con agrado aquella expresión “de los negros”. Sin embargo, el
tambor –con orgullo pero sin soberbia–, expresa que ha triunfado y es un
embajador inigualable en el mundo, donde nos representa con dignidad y
sin rencor.
El ukelele es un instrumento musical de cuerda, de la familia de la guitarra, originario de Hawái.
Los emigrantes portugueses que llegaron a Hawái en el último cuarto
del siglo XIX llevaban con ellos los instrumentos de sus tierras:
guitarras, rajãos y machetes (o cavaquiños).
Pocos años después, de los talleres de los ebanistas/lutieres
portugueses instalados en Honolulu, sale un instrumento híbrido, con las
dimensiones del machete y una afinación reentrante inspirada en la del
rajão (sin quinta cuerda). Es el ukelele, una pequeña guitarrita de
cuatro cuerdas.
A partir de 1915 el ukelele se populariza en Estados Unidos gracias a
su presencia en el pabellón Hawaiano de la Exposición Universal de San
Francisco. Su popularidad, propagada con los años a nivel mundial, no
decae hasta finales de la década de los sesenta.
Ya en los noventa, el ukelele vuelve a la escena recuperado por una
nueva generación de músicos, entre ellos, Israel Kamakawiwo’ole:
El ukelele se construye en diversos tamaños que resultan en distintos timbres. Los principales son (de menor a mayor tamaño) soprano, concierto, tenor y barítono.
Por lo general el ukelele tiene cuatro cuerdas, perto también existen modelos de seis y ocho cuerdas (en ambos casos, agrupadas en cuatro órdenes). Y además de las tallas comunes, podemos encontrar híbridos como el longneck (con caja de soprano y mango de tenor) o curiosidades como el ukelele bajo.
Para más información, consulta nuestro artículo sobre tallas de ukelele.
Afinación
En la afinación característica del ukelele, la cuarta cuerda es más aguda que la tercera.
Afinación en do reentrante (estándar, gCEA)
La afinación relativa es similar a la de la guitarra. Si
tomamos la forma de un acorde de guitarra y descartamos las dos cuerdas
graves, tendremos la forma de un acorde de ukelele (en otro tono, pero eso es otra historia).
Hay muchas otras posibilidades de afinación: en Re, con cuarta grave, etc. Para saber más: Afinación del ukelele.
La
armónica fue inventada en China en 3000 a. C. aproximadamente. La
emperatriz Nyn-Kwa poseía un instrumento de lengüeta conocido como sheng
(que significa «voz sublime»).
En 1821, un relojero alemán de 16 años llamado Christian Friedrich
Ludwig Buschmann inventó una especie de armónica de boca, al unir quince
lengüetas de tubo (usadas para la afinación de los órganos). Dio a este
instrumento el nombre de Mund-eoline («arpa de boca»).
La idea fue inmediatamente recogida por otro relojero alemán, su tocayo Christian Messner.
En 1822, Christian Buschmann le agregó a su armónica un fuelle de cuero
vertical, para tener las manos libres para su trabajo. Un constructor de
instrumentos musicales, el vienés Cyrillus Demian (1772-1847), le robó
esta idea primitiva, la desarrolló y en 1829 construyó el primer
acordeón. Buschmann perfeccionó su armónica como instrumento musical en
el año 1827.
En 1830, un inventor de Bohemia, Richter, inventó el instrumento tal
como se lo conoce en la actualidad: diez agujeros, veinte lengüetas,
alternancia de soplido y aspiración. Su escala diatónica se volvió
famosa como «afinación de Richter».
Treinta años más tarde, después de varios rodeos, la «armónica de boca
vienesa» llegó otra vez a Alemania y el relojero de 24 años Matthias
Hohner compró una de las creaciones de Buschmann y la copió
comercialmente en su taller desde el año 1857. Su pueblo, Trossingen, se
volvió el centro mundial de producción de armónicas. En los tiempos de
la Alemania nazi, sus hijos abrieron el Colegio de Música del Estado
(1935), que ha producido más de 3.000 maestros de armónica.
Hohner Marine Band (clásica) actual
En el año 1896 Hohner fabricó por primera vez la armónica diatónica
de 10 celdas modelo Marine Band, la que prácticamente hasta hoy en día
(en su modelo clásico) no se ha modificado. En el año 1996 se fabricó
una partida limitada de la Marine Band (con cubiertas metálicas doradas)
con motivo del 100 aniversario del modelo. Ha sido en el siglo XX y es
hoy en día una de las armónicas diatónicas de 10 celdas más vendidas en
el mundo.
Conjunto de armónicas.La guerra civil estadounidense aumentó la
popularidad de la armónica. Hohner ya había enviado varias a sus
parientes en EE. UU., y los soldados las encontraban fáciles de llevar y
de tocar.
Hacia 1900, la mitad de las armónicas hechas en Alemania se vendían en
EE. UU. La armónica más utilizada por los intérpretes de blues clásicos,
la Marine Band, apareció en 1896 y se podía adquirir por sólo cincuenta
centavos. No se sabe cómo se comenzó a usar en cárceles y en
plantaciones de algodón. Utilizando la capacidad del instrumento para
sonar como un tren, le dio su lugar en obras como Pan-American Blues (de
Ford Bailey) o Railroad Blues (de Freeman Stowers). En 1950 don Joaquim Fusté Alcalá comenzó a construir armónicas en
España. Pocos años después consiguió con el conjunto Les Akord’s el
título de campeón mundial entre los armonicistas en Winterthur, Suiza
(1955), Luxemburgo (1957) y en Pavía, Italia (1960).
Aerófono, Lengüeta Libre sistemas mecanicos Alemania, Europa
La Melódica
es un instrumento de viento de lengüetas libres, similar al acordeón o
la armónica. Este instrumento presenta un teclado en la parte superior
que produce sonido
sólo al soplar a través de una boquilla ubicada en un extremo del
instrumento. Al presionar una tecla se abre un agujero, permitiendo que
el aire fluya a través de una caña. Usualmente su teclado es de dos o
tres octavas. Las melódicas son portátiles. Han sido muy populares en la
educación de música, sobre todo en Asia.
Fue inventado por Höhner en la década de 1950 o de 1960,
empresa que patentó y popularizó su nombre. Pese a que otras marcas
produjeron el mismo instrumento bajo otros nombres comerciales, como melodión, pianica, melodihorn, orgamonica, mouth organ, pianohorn, piany, melodyhorn, piano de soplar, diamonica o clavietta entre otros, fue la palabra melódica la que permaneció como nombre genérico para esta clase de instrumento.
Las melódicas pueden clasificarse principalmente por la gama del instrumento. Tienen variadas formas y pueden clasificarse en:
Las melódicas soprano
suenan con una tonada más elevada y fina que las tenores. Algunas están
diseñados para ser tocadas con ambas manos simultaneamente; la mano
izquierda toca las teclas negras, y la derecha las blancas. Otras se
tocan como la melódica tenor.
Las melódicas tenores
son un tipo de melódica con una tonada más baja. La mano izquierda
sostiene el asa del lado inferior, y la mano derecha toca el teclado.
Las melódicas tenores pueden ser tocadas con dos manos insertando un
tubo flexible en la boquilla y colocando la melódica sobre una
superficie plana.
También existen las melódicas contrabajo (de tonada más baja que las tenores), aunque son menos comunes que las otras.
La accordina usa el mismo mecanismo, pero con botones parecidos a un acordeón en vez de teclas.
La MyLodica utiliza un mecanismo similar, aunque esta construida de madera.
Los
fabricantes de melódicas más conocidos son Sound Electra, Ángel,
Höhner, Suzuki, Yamaha y Samick. También es conocida por otros varios
nombres tales como melodion (Suzuki), melodia (Diana), pianica (Yamaha),
mylodica (Sound Electra), "melodihorn", o clavietta.
Ancestral instrumento utilizado por los aborígenes de Australia, este
aerófono es básicamente es un tubo de madera, el cual se hace sonar al
hacer vibrar
los labios en el interior de la embocadura. Se supone que tiene unos
2.000 años de
existencia,
de acuerdo con la datación de algunas pinturas rupestres en las que
aparece el instrumento, aunque los propios aborígenes le dan una
antigüedad de hasta 40.000 años.
El término Didgeridoono es de procedencia aborigen; es el que le dieron los europeos en sus
primeras visitas a la isla. Hay decenas de dialectos aborígenes se
tiene una palabra distinta para designar a este instrumento, como por
ejemplo Didjeridoo, Didjeridu, Diyiridú, Djalupu, Bambú, Bombo,
Eboro, Garnbak, Ginjungarg, Illpirra, Jiragi, Kambu, Mago, Maluk,
Martba, Papuu, Yidaki,
etc...
El didjeridu está estrechamente ligado a la existencia espiritual
de los aborígenes. Su principal función es la de acompañar un baile y a
un cantante, sirviendo como instrumento de acompañamiento, así como
marcando el tiempo para el ritmo de las canciones.
El árbol del que normalmente se construye un yidaki, es el “Stringy bark” (eucaliptus tetradonta) o "Gadayka" (en lengua Yolngu del noreste de Tierra de Arnhem),
agujereado naturalmente por las termitas, que se comen la parte central
del tronco. Otros árboles que también se utilizan en el noreste de
Tierra de Arnhem para construir yidaki son el “Woolybut” y “Bloodwoods”.
Otros tipos de bloodwoods y diferentes tipos de madera se utilizan en
otras regiones de Australia, incluso en las que el didjeridu no es
tradicional. Los didjeridus pueden ser cortados a lo largo de todo el
año. (Durante la época húmeda, la madera estará más blanda y mojada, y
durante la estación seca más dura y compacta). Existen muchos tipos ,
así como procesos rítmicos, según los clanes. En el Noreste de Tierra de
Arnhem, los yidaki tienden a ser más largos y gruesos por lo que la
nota será más grave, cuanto más al oeste nos vayamos, más cortos y más
agudos serán los yidaki. En el oeste, el yidaki se
conoce como "Mago".
El yidaki tiene su propio lenguaje, en el que la
lengua cumple el papel más importante a la hora de transformar el aire
en sonidos. Juega un papel muy importante en las ceremonias de los
hombres, pero también es usado como instrumento popular para el
divertimento de niños y mujeres. Las canciones pueden dividirse entre
formales e informales.
Las connotaciones arcaicas y el sonido característico del didgeridoo lo
convierten en un instrumento óptimo para la musicoterapia,
tanto para el que toca (que puede utilizarlo como instrumento para
guiar sus meditaciones, al tener que observar constantemente el sistema
respiratorio), como para el que escucha, y pueden inducir a estados de
relajación profunda. La respiración circular es la clave en el Didjeridoo. Los aborigenes aprenden a tocarlo sin apenas ser conscientes.
Hoy dia esta maravilla de instrumento esta viviendo una gran
expansión. Es utilizado su forma tradicional, en formatos de musica
ethnica o de raiz fusionada o en musica electronica, entre otros.
En
una de las crónicas escritas por los españoles llegados al sur de
Ecuador cita lo siguiente: “Su música es hermosa y descriptiva. Imita el
cantar de los pájaros, el sonido del agua y peces, el rugido de los
animales salvajes, armonizando las palabras con el sonido. Usan los
huesos y los plumajes de las aves para elaborar sus flautas y pitos,
conchas de mar y caracoles para saludar la mañana y traer cerca los
distantes sonidos y con los cueros secos de los animales elaboran sus
tambores". Estudiosos identificaron hasta 300 instrumentos usados y
elaborados en las zonas andinas de Ecuador. Existen por ejemplo como 70
variaciones de antaras (flauta de pan), más de 30 variedades de 'quenas'
y hasta 12 variedades de'charangos‘.
Música andina es un
término que se aplica a una gama muy vasta de géneros musicales
originados en los Andes sudamericanos, aproximadamente en el área
dominada por los incas previa al contacto europeo.
Su
procedencia, la sempiterna región Andina situada en la parte
centro-occidental de América del Sur conformada por zonas específicas
del Ecuador, Perú y Bolivia, y en menor proporción Colombia, Argentina y
Chile. En otros términos, son nativos de las milenarias civilizaciones
Aymaras y del denominado imperio incaico Qhishwa.
Instrumentos Andinos de Viento
Las zampoñas
son
flautas andinas fabricadas con caña de carrizo y cuyas notas se
distribuyen en dos hileras de tubos. El numero de caños en cada atado
puede ser variable, aunque lo habitual es de 7 en el mas largo (llamado
Arka) y 6 en el menor (llamado Ira). Por este motivo, tradicionalmente,
los sikus se presta a ser tocados por parejas de músicos o sikuris, que
alternan notas originando las distintas melodias. En la música
folklorica popular son habituales las bandas de sikuris numerosas en
músicos. La familia de los sikus es muy extensa y viene marcada
principalmente por el tamaño del instrumento. De esta manera partimos
del menor que recibe el nombre de Chuli, seguido de las Maltas (Zampoña
tipo) y por último las Zankas y los Toyos que siendo los mayores dotan
de sonidos mas graves a la orquesta de sikuris.
Flauta andina
consistente en una hilera de caños de carrizo abiertos en uno de sus
extremos, dispuestos en orden decreciente y afinados en escala
pentatónica (por lo general en "la" o en "mi"). Su limitación en
registros unida a la sencillez del instrumento lo dotan de sonidos
puramente incaicos de honda raíz ancestral y gran belleza. El número de
tubos es variable, generalmente con un mínimo de siete y pocos casos
mayor de veinte. Su origen, presumiblemente peruano, data de la época
precolombina. A diferencia de los sikus y por portar todas sus notas en
una sola hilera, se ejecuta por un solo músico. Podemos encontrar en
Bolivia un instrumento muy similar, el "suri sikuri", que a diferencia
de su hermano, incorpora la escala diatónica al igual que los sikus. El rondador
(Ecuador) es una flauta de tubos de origen incierto, aunque por las
características de su afinación, podemos arriesgarnos a decir que es
posterior a la llegada de Colón, ya que los incas no conocían la escala
cromática ni los intervalos de tercera que es una de las características
de esta flauta.
Su afinación, que es lo mas particular de este
instrumento, comienza con dos o tres notas que suelen ser el Sol y el La
seguidas de una escala pentatónica Do, Re, Fa, Sol y La pero después de
cada nota de esta escala va intercalada una tercera menor. Esta
peculiaridad hace que tocando dos tubos a la vez produzca un sonido
peculiar, que imita al canto de los pájaros.
El número de caños es variable, oscilando por los general entre 20 a 32.
Quena
Andina
(Bolivia, Perú, Chile...)Junto con la zampoña, es la flauta andina por
excelencia remontándose su existencia a la época precolombina. En sus
orígenes era un instrumento pentatónico, ligado con rituales y
ceremonias religiosas y se fabricaba en hueso. En la actualidad, ha
evolucionado notablemente. Se fabrica en caña o en madera y esta dotada
de escala cromática con una amplitud de tres escalas, que la posibilitan
para salir airosa ante cualquier tipo de partitura. Su timbre encierra
matices ricos en colorido que facilitan el sentimiento interpretativo
del quenista. Este hecho se hace latente en las quenas fabricadas en
caña, que por su vibración, en ocasiones, parecen llorar.
Antara Andina (Origen Peruano)
Flauta
andina consistente en una hilera de caños de carrizo abiertos en uno
de sus extremos, dispuestos en orden decreciente y afinados en escala
pentatónica (por lo general en "la" o en "mi"). Su limitación en
registros unida a la sencillez del instrumento lo dotan de sonidos
puramente incaicos de honda raíz ancestral y gran belleza. El número de
tubos es variable, generalmente con un mínimo de siete y pocos casos
mayor de veinte. Su origen, presumiblemente peruano, data de la época
precolombina. A diferencia de los sikus y por portar todas sus notas en
una sola hilera, se ejecuta por un solo músico. Podemos encontrar en
Bolivia un instrumento muy similar, el "suri sikuri", que a diferencia
de su hermano, incorpora la escala diatónica al igual que los sikus.
Tarka-Bolivia
Instrumento
de viento boliviano con boquilla y canal de soplo, su longitud va desde
los 30 centímetros hasta los casi 60.Por lo general su forma
ortoédrica, suele ornamentarse con un buen número de tallados y pinturas
ricas en colorido. Las de menor tamaño reciben el nombre de
Anatas.Tiene 6 orificios en la parte frontal.
Es el instrumento
propio del carnaval siendo uno de los mas utilizados en estas fiestas
por su sonido voluminoso ( por la forma de tocarlo que nunca es “piano”)
y alegre.Las tarkas se tocan en grupos de ellas de distinta afinación
con intervalos de cuartas, quintas y octavas lo que hace que tengan ese
sonido tan característico.
Las afinaciones mas abundantes son las de La, Do y Mi bemol.
Moceño-Andina (Bolivia, Perú)
Flauta
andina de tamaño considerable construida en caña (carrizo). Dotada de 5
orifios en su cara anterior, emite sonidos graves al tiempo que
dulces.Debido a su longitud, se sopla a través de una caña adosada en
paralelo que hace que el aire llegue hasta la boquilla del instrumento.
Los ejemplares de menor tamaño, aunque con dificultad, pueden ser
soplados directamente en su embocadura. Son estos los que reciben el
nombre de "Senka Tankana" que en quitchua significa nariz grande o nariz
creciente. Habitualmente sus temas emplean escalas pentatónicas,
aunque tambien hay ejemplares dotados de orificio posterior para
enriquecer su escala.
Utiliza cuerdas metálicas, siendo las 3 primeras de acero, y las 3 más graves entorchadas.
